第十届画廊周北京
2026年5月22日，第十届画廊周北京（Gallery Weekend Beijing）正式开幕。其中，5月22日至24日为贵宾日，5月25日至5月31日为公众日。自2017年成功举办首届以来，画廊周北京始终致力于强化专业画廊、艺术机构的策展性与价值讨论，在持续构建北京本地画廊与机构新生态，深度参与并推动中国当代艺术近十年发展进程的同时，致力于以先锋、专业的态度建立国际化的当代艺术对话与推广平台。
本届画廊周北京整体阵容创下历届参展规模之最。“主单元”（Main Sector）延续主办方邀请制，共汇集30家参展画廊及10家非营利艺术机构，其中，“特别展览”（Special Exhibition）推出了由空白空间呈现的欧阳春全新个展“涅槃”；与此同时，备受关注的“特别单元”（Special Sector）——“艺访单元”（Visiting Sector）与“新势力单元”（Up&Coming Sector）正式回归。
空白空间，欧阳春：涅槃
30家画廊、10家非营利机构、53场展览共塑主单元价值现场
第十届画廊周北京主单元30家参展画廊由UCCA尤伦斯当代艺术中心副馆长郭希、北京公社创始人冷林、空白空间创始人田原、A26空间创始人奚韬和MACA艺术中心总监杨北辰组成的学术委员会共同投票产生。
主单元近十家参展画廊及非营利机构在今年画廊周北京推出了主题性群展，其中既有围绕历史、身体、城市经验与文化记忆展开的长期性讨论，也包含对当下现实感知、代际经验与观看机制的重新审视。如A26空间群展“如影随形”借助亚洲艺术文献库所提供的档案与文献支持，呈现在北京与香港这两个具有不同历史背景与发展节奏的城市之间，“现场”的生成所呈现出的差异化路径与节奏；蜂巢当代艺术中心艺术研究项目第五回“阿弥壳”以伊藤润二短篇《阿弥壳断层之怪》为灵感，对“阿弥壳”一词进行拆解，用以指涉事物的无边无垠与不可测，而壳作为生物天然的容器，又让肉身不至于完全赤裸地面对这个世界。
今年画廊周北京关于绘画的展览涉及了多样的探索路径，其中不乏有将传统性延续至当代语境中并加以转译的实践，它们从中国古典绘画及图式中延伸出当代性思考，立足中国传统文化资源，在笔墨、意境、文人精神等传统根基之上，生成具有当代语感的视觉表达：如亚洲艺术中心的陈淑霞个展“冲淡之后”，将“冲淡”不只视作一种审美追求，更是扎根于个体直觉的创作方法论；宋陵在HdM画廊个展“负相”展出艺术家近年创作的四十余件全新系列作品以及90年代初期的代表作，以宋画和宋塑为灵感，其近期创作以熟练的晕染和没⼈技法，营造出摄影底片般反相、异化的视觉效果。
一批艺术家的新绘画实践，善于以新媒介、新方式进行架上的再探索，其创作往往突破传统绘画媒介的边界，通过混合材料、综合技法或非常规方式拓宽架上绘画的表现维度：北京公社呈现艺术家志韦个展“无伤大雅”，通过转译的图像和织物材料，以个体经验和脱离脉络的参照为基础，探讨图像制作、绘画行为和表层之间的相互依存关系。伯年艺术空间的沈同舟个展“奥德赛”，展出沈同舟影像创作之外的一组长期连续性绘画创作，从其自身实践入手，在找寻日常流媒体推送下隐秘的议题牵连与最终导向中展开多次对流媒体构成的图像环境的连环“风景写生”。张然在CLC画廊的展览“危情眼”通过把有机显微图像与飞蚊症、运动及视觉蛋白的可视数据碎片化制作出合成肌理，探讨生物知识与个人体验的关系。常青画廊的倪有鱼个展“晨钟暮鼓”是其在北京的首次个展，以时间为线索，回溯并梳理艺术家十余年来持续展开的创作脉络，通过跨越不同阶段与媒介的作品，系统性地构建出一条贯穿其艺术实践的内在逻辑。
常青画廊，倪有鱼：晨钟暮鼓
而在另一部分艺术家的具象绘画实践中，我们看到了古典与叙事性的回归，他们在具象语言中注入古典绘画的质感、构图或叙事气质，寻求当代情境下的古典美学张力：伯年艺术空间的吴海峰个展“空处余音”呈现了吴海峰新近创作的十余件干酪素坦培拉作品，以人物、植物与音乐性等元素构建画面。蜂巢当代艺术中心的谭永勍个展“第六日”探讨了人工智能与生成技术之下“创世”的终极标准以及神与人彼此创造的无限循环可能。麦勒画廊的颜秉卿个展“如此而过”呈现了艺术家在过去一年中创作的一系列作品，以连续流动的方式捕捉颜秉卿的情绪状态，这些绘画构成了艺术家日常情绪的记录。
同时，在以下众多机构呈现的绘画展中还有着重于对日常经验与精神现实的书写，此类创作以具象手法捕捉日常生活中的片段、情绪与经验，在平凡之中提炼诗意：誠品畫廊推出陆亮个展“潜行”，借用电影《潜行者》中的精神意涵，指向艺术家在反复描绘与长期观察，在变化与不确定中缓慢进入与持续感知的过程。可以画廊的孙逸飞个展“三堂会审外星人”延续其一贯以图像生成对无意识的探索，展览恍惚从一幅幅电影叙事的图像中呈现人类的无意识结构。回声呈现艺术家程昱峥个展“火星生活”，艺术家用颜料、笔触一层一层为想象赋予结构，成为路径，成为某种无法取代的必要性，在未来，绘画也许便是余下的世界中最为人性的部分。
此外，我们还在这些展览中看到，将绘画中对图像与关系建构的讨论聚焦图像自身的逻辑和再现机制，以及图像与观看之间的关系，带有较强的观念性与反思色彩：叁拾空间展览韩新宇“一切终将过去”展现了艺术家通过层叠的笔触、反复的覆盖、擦除与色彩的动态变化，将绘画视为一种延展时间的方式。
山中天艺术中心，安宁：“龟壳”
影像与多媒介实践进一步拓展了当代艺术的表达边界，艺术家们借助影像、声音、空间介入与文献等复合媒介，在历史叙事、技术现实与个体感知之间构建出新的观看方式与经验场域。马刺画廊推出艺术家佩恩恩个展“浊智”，呈现其最新12通道分布式影像装置作品《浊智》、海藻皮绘画《衍生鲸泵》系列新作，并在新语境下以“浊化”为线索串联起五件过往影像作品。安宁在山中天艺术中心的展览“龟壳”始于一次关于观看与存在的私密实验，以一段突发的“流离”经历为起点，在酒店房间与公寓的可视化门铃后，将自身置换为静默的观测点，艺术家将这段极其个人的感知历程，转化为一件冷静且诗意的装置。
雕塑及装置在今年的画廊周北京中展现出更为开放的媒介属性与空间意识，艺术家们通过材料实验、身体感知与现场结构的构建，使雕塑不再作为静态物件存在，而成为一种持续生成中的叙事空间。魔金石空间推出经傲个展“一条直线”，涵盖声音和雕塑，来到展览，感受不同的时间遇见不同的线。站台中国当代艺术机构带来的吴尚聪个展“月光宝盒”以盒子的形式呈现，艺术家将雕塑主动缩小，与日常的遗迹、废弃的玩具、考古的图像裹挟他的绘画，被封藏进手工制作的盒子里。
香格纳画廊，法布里斯·伊贝尔：海绵之泣
国内外知名艺术家的重要个展与机构项目则进一步构成了本届画廊周北京国际化视野的重要维度，艺术家们从历史、自然、记忆与全球流动经验出发，在跨文化语境中展开对于时间、生态、身份与现实处境的持续思考。香格纳画廊推出法国艺术家法布里斯·伊贝尔(Fabrice Hyber)个展“海绵之泣”，也是其在北京的首次个展，叙事始于艺术家对已故挚友景观设计师俞孔坚及其“海绵城市”理论的回响，展览中呈现的绘画，更是伊贝尔与俞孔坚在共同探究自然过程中，对“大地自发性”的一种察觉与共证。798CUBE呈现“凯洛斯的回响：朱利安·夏西埃赫与洛朗·格拉索双个展”，通过影像、雕塑、摄影与沉浸式装置等不同媒介形式，传达“凯洛斯”（kairos）这一古希腊关于决定性时刻的时间概念。正在UCCA尤伦斯当代艺术中心展出的杨福东“香河”以杨福东全新创作的15频展览同名影像装置《香河》为核心，同时展出多件艺术家最新创作与早期作品，通过多种媒介探索时间、成长与记忆的多重感知，构筑交织着私人情感、集体记忆与历史时间的丰富隐喻。
正在UCCA尤伦斯当代艺术中心展出的杨福东“香河”
“艺访单元”+“新势力单元”：跨地域、跨边界的艺术实践联结
2019年，画廊周北京增设“艺访单元”，该项目设立之初旨在798艺术区独特的工业建筑空间中，呈现一系列海内外优秀画廊的深度展览实践，并与本土生态建立对话，这也让“艺访单元”成为画廊周北京独特的观察样本与最具辨识度的项目之一。今年，BANK带来梁浩个人项目“访客”，他将展览空间还原为一间尚在被使用的艺术家工作室，创作发生的场所、灵感行进的痕迹、被悬置的动作，一同呈现在其中等待人们的到来。胶囊推出田建新个展“使用指南”，展出其近年来围绕日常器物展开的一系列浮雕与雕塑创作，延续艺术家对“器”与“形”关系的持续探索。
巫性美学十句
画廊周北京“新势力单元”旨在挖掘并支持华语地区最具潜力的年轻艺术家，为他们在全球化的语境中提供展示与成长的广阔舞台。本年度“新势力单元”特别展览“巫性美学十句”，由艺术家艾阔联合策展人杨紫展开一场关于当前社会现场与文化能量的深度探索。本展览将成为一个“现场”与“合作”之地，致力于让展览现场成为离散各处的精神力量得以聚合、各抒情理的交流场域。展览期间还将置入放映、诗会、现场表演、音乐电台、学术讲座、主题交流及工作坊等系列公共事件，意图在展览结构之外，以其母题为原点，在更多领域及其交叉地带打开通感与对话的路径。
十年历程，画廊周北京不仅深度参与并见证了中国本土画廊与艺术机构的成长与蜕变，其自身更以聚焦北京本地艺术生态并拓展其系统性为起点，通过持续联结全球的收藏家、艺术专业人士和极具代表性的画廊和艺术项目，让北京与全球当代艺术现场保持同频共振。在这个过程中，也得以让画廊与机构、艺术家以及艺术工作者重新理解和看待“本土”的价值和意义。
