江记《价/值/饕餮》2026
文 | 张尧 （图片均由作者现场拍摄）
步入2026年香港巴塞尔艺术展，从3C入口处进入展厅的瞬间，观众的视线便被一面散发出红光的巨大饕餮纹饰所吞噬，而其背后则是刺目的两个单词“PRICE”与“VALUE”——马来西亚艺术家江记用霓虹灯管打造的墙面装置《价/值/饕餮》以近乎暴烈的视觉语言直接点明艺博会的运转核心：被定价的艺术品，是否匹配它本身的价值？这一追问，恰如其分地揭示出本届巴塞尔在商业逻辑与策展话语之间所展开的深层博弈。
胡尹萍《土豆是长在树上的》2025
安永正臣《A Certain Trajectory》2026
由东京森美术馆馆长片冈真实领衔的“Encounters”策展团队，以亚洲文化中的水、火、土、空四大元素为框架，构建了一个聚焦亚洲艺术家的作品群落。胡尹萍的“土豆森林”、安永正臣的陶釉雕塑、康瑞璟的抽象山水装置等作品以巨型体量和惊人的视觉效果占据了展场最核心的叙事空间。本届展会策展结构重心发生了显著的亚洲转向——它并非简单的区域配额调整，而是策展权力结构的实质性位移。本届策展团队的架构本身便是这一转向的缩影：森美术馆的德山拓一、M+的谭雪凝、雅加达独立策展人阿莉娅·斯瓦斯蒂卡，他们代表着亚洲不同地理节点与文化脉络的策展实践。
帕拉格·坦德尔（Parag Tandel）《群岛颂歌：我们是海洋之王》2019-2026
黄丽音《嫁接》2026
本届参展画廊的构成同样印证了这一转向趋势：超过100家参展画廊在亚洲拥有实体空间，40余家中国画廊参展，其中20余家进入主单元“Galleries”，与国际蓝筹同台竞技。这种结构性转变在多个单元中层层展开：“Kabinett”单元的35个项目中，23个聚焦亚太地区各时期的当代艺术家，Tomio Koyama画廊呈现了日本艺术家长井朋子一系列串联日常碎片与梦中场景的小型绘画及雕塑；维伍德画廊展出了中国香港艺术家林岚的雕塑《防风林》；麦勒画廊呈现了雷娜·裴的绢本绘画系列及隐喻城市更新的装置作品，亚洲艺术家的创作越来越多地被纳入展会的舞台中心。
林岚《防风林》2025
日本艺术家长井朋子的小型绘画
尤为值得注意的是“Insights”单元的质变。这个曾被视为着重地域性艺术史语境的展区，如今已演变为讨论亚洲文化的平台，亚洲现代主义、殖民历史、城市发展、文化身份等议题在此展开。京都Cohju江寿画廊带来了艺术家Shinya Azuma的小型个展；纽约Sapar Contemporary画廊呈现了泰国艺术家Uuriintuya Dagvasambuu和哈萨克斯坦艺术家Aya Shalkar的双个展。而在新增的偏策展项目“Echoes”单元中，同样展现了亚洲艺术家的多样创作：首尔Whistle画廊呈现了Hyun Nahm等三位韩国艺术家的架上与雕塑作品；Klemm’s and Capsule带来了香港艺术家Leelee Chan的墙面装置；Max Estrella展出了越南裔艺术家Tiffany Chung的刺绣地图。
康瑞璟《March》2014-2024
阿里·贝瓦吉《编织海洋》2020-
然而，这种转向也引发了另一个深层问题。展会的整体结构仍然嵌合在全球艺术市场体系之中，国际画廊、收藏家和市场逻辑依然是驱动艺博会的底层引擎。香港巴塞尔并非一个由亚洲艺术体系主导的展览，而是一个在全球商业艺术框架内逐渐亚洲化的平台。当亚洲策展人和艺术家获得越来越多的灯光聚焦时，一个关键问题浮出水面：这种仍在全球艺术市场结构之中运作的话语权，究竟能在多大程度上改变亚洲艺术生态的底层逻辑？
江记《价/值/饕餮》2026
答案或许隐藏在江记那件霓虹灯作品的追问之中——当“价格”与“价值”在红光中闪烁，亚洲当代艺术是否也在重新定义艺术生产与市场之间的契约？本届香港巴塞尔所呈现的不止是一场艺术博览会的结构性调整，更是亚洲艺术从“被世界观看”到“观看世界”的范式转换。这场转换的未来走向，将取决于亚洲策展人、艺术家与机构能否在全球艺术体系的悄然变动中，构建出真正具有主体性的叙事框架与价值标准。
